Was man definitiv schon mal nicht leugnen kann ist, dass ihre Stimme einfach einen enormen Wiedererkennungswert hat. Darüber hinaus ist es nicht gerade ein leichtes Album, was ich ehrlich gesagt zunächst erwartet hatte. Die Songs bedürfen jedenfalls zunächst ein bisschen Zeit, denn sie wurden mit viel Detailversessenheit komponiert, das merkt man schnell. Da hilft anfangs der Titel “Freedom”, denn dieser wirkt schon etwas lockerer, auch wenn er dennoch sehr fein und ruhig ist.

Die Platte “Vs Head Vs Heart” wurde im Studio in Brisbane nach eigenen Angaben extra ohne Zeitdruck produziert, um Emma Louise die notwendige Zeit für ihre Kreativität zu geben. Das hat sich zweifelsfrei auch gelohnt, denn die Ballade “Atlas Eyes” transportiert faszinierend Emotionen und Gefühle. Eine sehr starke Nummer, die in der Form nur von wenigen gesungen werden könnte. Die Vorabsingle “Boy” wirkt beim ersten Mal sehr einfach gestaltet und bewegt sich irgendwo zwischen Pop und Soul. Nach mehrmaligem Hören ist es aber wirklich so, dass man auf die vielen kleinen Details achtet und diese schätzen lernt.

Das ist auch irgendwie das Besondere an Emma Louise, die im Jahr 2013 etwas völlig Anderes (entgegen der Trends) produziert hat. Bei solch ruhigen Tracks verfällt man zwar schnell in Melancholie, aber man muss das ganze Album ja nicht am Stück hören. Absolut erfrischend ist es jedenfalls, sich wieder auf die Stimme zu konzentrieren als von pumpenden Bässen und schrillen Hooks überflutet zu werden. Das Cover spiegelt letzten Endes eigentlich sehr gut den Tenor der LP wider, elegant und doch verspielt.

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Die beiden Musiker, die man bis dato eigentlich nur mit ihren Robotermasken assoziert hatte, haben seit 1997 lediglich drei Alben vor “Random Access Memories” unter die Leute gebracht. Grund genug für viele Fans, die 8 Jahre auf ein neues Studioalbum gewartet haben, sich die LP und deren 13 Songs anzuhören. Der Sound wirkt vertraut und wird sofort mit Daft Punk assoziert. Featuregäste sind unter anderem Pharrell Williams, Julian Casablancas, Todd Edwards, sowie Panda Bear.

Nach den ersten Titeln wird allerdings sehr deutlich, dass es sich bei “Random Access Memories” nun wieder um ein Studioalbum handelt, das den Sound der 50er bis heute auffängt und sich von dem grandiosen, futuristischen, brachialem und vielgelobten Klang des Soundtrack “Tron: Legacy” merklich unterscheidet. Es kommt im Gegensatz dazu sehr weichgespült, ruhig und gelassen daher. Besonders deutlich wird dies durch die verzerrten Synthie-Vocals auf beispielsweise “Within”.

Ebenfalls muss man den Sound von “Lose Yourself” mögen, der durch den eigenwilligen und sehr hohen, fast fistelstimmigen Gesang Pharrells’ auch nicht jedermanns Geschamack trifft. Klar, das ist Daft Punk, aber hatte ich doch die leise Hoffnung, sie hätten etwas mehr Inspiration und Fortsetzung von “Tron: Legacy” einfließen lassen. Wer Daft Punk kennt und liebt, dem wird auch diese Platte gefallen. Viele, die auf eine Fortsetzung ihres letzten Projektes gehofft haben, wird sie jedoch leider enttäuschen.

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Dafür ist Santiano’s Weg beeindruckend und gleicht dem eines Steilflugs, denn mit ihrem Debüt stiegen sie 2012 bereits auf Platz 1 der deutschen Album-Charts ein. Einen guten Anwärter auf eine vergleichbare Position haben die Seemänner Santiano definitiv abgeliefert. Die “Freibeuter der Meere” verstehen, wie man ein filmisches Kopfkino durch perfekt inszenierte Geschichten, gute Lyrics und zum Mitsingen ergreifende Melodien erzeugt.

Auf 13 Titeln stellen sie ihr Können nochmals unter Beweis und es fällt sofort ein poppiger Sound auf, ein etwas rauherer Ton sowie drei Titel, die auf englischer Sprache eingesungen wurden und das Album auf gesunde Weise beleben. Besonders gelungenen finde ich die Cover-Versionen, natürlich auffallend durch die markanten Melodien von Kissin Dynamite (“Gott muss ein Seemann sein”) oder auch The Hooters (“Bis in alle Ewigkeit (Wallhalla)”). Den Fans des etwas gefühlvolleren Klangs, die gerne einen musikalischen Ausflug in eine Traumreise machen, kann ich “Hoch im Norden” oder “Wir sind uns treu” nahelegen.

Rundum eine gute Scheibe mit einer gesunden Brise Abwechslung und einem etwas kantigerem Klangbild, aber mindestens genauso vielen Hitkandidaten wie auf “Bis ans Ende der Welt”.

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Sein nunmehr fünftes Studioalbum “Intense”, an dem er fast drei Jahre lang arbeitete, ist nun endlich auch in Deutschland verfügbar. Bereits die erste Single “This Is What It Feels Like (feat. Trevor Guthrie)” schlug förmlich ein wie eine Bombe. Nebenbei bekräftigte Armin van Buuren so gleich, dass er sich absolut verdient wieder vor David Guetta an die Spitze der Top 100 DJ Poll gesetzt hat. Wie von Armin van Buuren gewohnt, schaffte er wieder den Spagat zwischen Innovation und Beständigkeit. Wirklich begeistert bin ich von den vielen neuen Sounds, die Zeit zum Wirken bekommen und gleichzeitig mit traditionellem Bass und Rhythmen  geladen sind.

Besonders in Zeiten schneller Dance Musik, bei denen die Sounds stark komprimiert werden und zu allem Überfluss noch mit kreischigen Gesang bestückt werden, eine angenehme Abwechslung. Paradebeispiel ist in diesem Zusammenhang der Track “Who’s Afraid Of 138?!”. Klar, ganz ohne Vocals, aber dafür auch Trance in Reinform. Meine absolute Lieblingsnummer ist aber ohne Zweifel “Alone (feat. Lauren Evans)”, die sicherlich mehr in Richtung Mainstream geht, jedoch authentisch und nicht erzwungen.

Schön zu sehen, dass einem Nummer 1 DJ die nicht Ideen ausgehen und man wirklich über Jahre hinweg konstant hoch qualitative Trance Musik bekommt. “Intense” ist eine Platte mit vielen (neuen) Facetten, die man sich keinesfalls entgehen lassen darf und einfach mal durchhören muss.

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Drei Jahre mussten die Fans sich nach “Nahaufnahme”, das damals auf Platz 2 und in Deutschland auf Platz 7 einstieg, gedulden – und das Warten auf “Ich hör auf mein Herz” hat sich gelohnt. Auf 12 Titeln wirkt sie frischer und energiegeladener als je zuvor. Mit “Auf und davon” trifft sie nicht nur den Nerv der Zeit und den Geschmack von Teenager-Girls à la “Ich bin Ich” von Glasperlenspiel, sondern passt auch zeitlich in den Frühling mit Vorfreude auf den Sommer.

Auch wenn Lieder wie “Selbe Wellenlänge” oder “Herz in der Hand” verhalten anfangen, steigern sie sich innerhalb der Strophe soweit, dass man spätestens zum Refrain einen Ohrwurm und einen pop-rockigen Sound mit einer wunderbaren Melodie vorfindet. Besonders “Amelie” finde ich nicht nur lyrisch sehr spannend, sondern auch vom Musikalischen her eine Ausnahmeleistung und meine persönliche Nummer eins.

Der einzige Wermutstropfen ist jedoch vielleicht, dass doch nach 12 Titeln schon Schluss ist, obwohl man weiter zuhören möchte. Und letzten Endes hat Christina Stürmer mit “Ohne dich (ist alles nichts)” doch noch einen schwerfälligen und melancholischen Song auf das Album gepackt. Für mich insgesamt ein sehr positiv und kraftgebendes Album mit einem leicht nachdenklichen Ende und dem Wunsch nach 2-3 Titeln mehr. Aber vielleicht müssen wir nun nicht mehr ganz so lange auf einen Nachfolger von Christina Stürmer warten.

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Nachdem er Anfang der 1990er mit Rap begann, verkündete er 2012, dieses Kapitel hinter sich zu lassen und unter Snoop Lion nun fortan Reggae-Musik zu produzieren. Ob seine Leidenschaft für sinnes-erweiternde Substanzen hieran eine Mitschuld trägt, weiß man nicht so genau – rein musikalisch ist es Neuland und auch erstmal gewöhnungsbedürftig.

Während der Gesang von Snoop Lion noch einigermaßen authentisch klingt, muss ich gestehen, ist mir der Sound doch teils und gerade zu Beginn des Albums zu hektisch und unmelodisch. Ausbrüche wie der Versuch, House mit Reggae zu crossen, wie beispielsweise auf “Get Away”, sind in meinen Augen als gescheitert zu betrachten.

Etwas besser gelingt Snopp Lion dieser Spagat gegen Mitte von “Reincarnated”, etwa bei “Smoke the Weed”, das durch eine unkonventionelle Instrumentierung und eine ansprechende Melodie durchaus Hitpotential hat. Allerdings habe ich bereits hier das Gefühl, dass Reggae für Snoop Lion nicht mehr ist, als das Lebensgefühl unter dem Einfluss von Gras. Weit gefehlt wie ich finde. Besonders Gentleman, der zeitgleich sein Album veröffentlichte, zeigt, dass es auch anders geht. Trotz zahlreicher, teils namhafter Features wie Miley Cyrus, Busta Rhymes oder auch Akon, finde ich nicht viele Titel, die mir jenen Flavour geben. Gerade der Rhythmus und auch eine gewisse Ruhe fehlen mir hier enorm. “Ashtrays and Heartbreaks” finde ich hier noch recht gelungen und auf eine Art und Weise auch als Crossover gut.

Summa summarum ist mir das Album zu hektisch, zu unmelodisch und auf einen zu kleinen gemeinsamen Nenner reduziert – bis auf wenige Ausnahmen. Ich hoffe, dass Herr Snoop Lion sich hier noch etwas mehr einspielt und auch textlich etwas geistreicher wird.

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Zuerst ist mir vor allem der sehr hallige und vielschichtige Sound aufgefallen, zudem sind die Drums sehr voluminös und direkt. Die Synthese gefällt mir gut und Gentleman’s Gesang ebenfalls – es fällt fast schwer zu glauben, dass der junge Musiker aus Osnabrück stammt und nicht aus Jamaika. Besonders bezaubernd und in seinen Bann ziehend empfand ich “Where Is the Love” sowie “In My Arms”, da diese eine Unbeschwertheit und so viel positive Energie ausstrahlen, dass es draußen noch so Grau in Grau sein kann.

Ebenfalls sehr harmonisch und wohlwollend ist mir “Interlude” im Gedächtnis geblieben, eine fantastische Komposition von Orchester-Sounds und Geigen, obwohl diese nur als Art Überleitung fungieren, dennoch völlig ins Gesamtbild passen. Zwei “Außenseiter” sind dennoch zu nennen: “Homesick” – eine als Outro fungierende Umsetzung mit Gitarre und dem Reggae-Feeling lediglich in der Stimme, sowie “Push Come to Shove”, das mir persönlich etwas zu futuristisch geraten ist aufgrund der vielen Synthie-Sounds und der arg synthetischen Drums.

Rundum aber schöner Reggae mit einem zeitgemäßen Klang ohne große Überraschungen. Wer übrigens am Überlegen ist, ob er sich die Standard oder doch lieber die Premium Edition zulegen soll, dem kann ich nur zu Letzterem und den wirklich sehr guten fünf Bonustiteln raten.

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Die vier Bandmitglieder, die sich bereits 2007 zusammen getan haben, haben sich viel Zeit gelassen seit sie letzten September ihre erste Single “Irgendwie anders” veröffentlichten. Nun haben sie anscheinend auch den richtigen Sound gefunden für ihren ersten Longplayer “Heute ist für immer”.

Das Debütwerk transportiert meiner Meinung nach ganz gut den Spirit von Tonbandgerät. Eine gewisse Unbefangenheit und Leichtigkeit in Bezug auf das Leben stehen hier musikalisch und vor allen Dingen lyrisch im Vordergrund. Es geht um die schönen Dinge im Leben – und um Gedanken des profanen Daseins. Während viele Kollegen und Kolleginnen, gerade im Genre Deutsch-Pop-Rock, versuchen, sich zu verbiegen oder krampfhaft ein Image aufzubauen und zu finden, bleibt das sympathische Quartett von Tonbandgerät bodenständig und bei der eigenen Geschichte.

“Mit dieser Welt allein” zeigen sie eindrucksvoll, dass es nicht um das Auffinden von richtigen und einzigen Wegen geht, sondern, dass es weder falsch noch richtig gibt und aus jedem Scheitern eine Chance entstehen kann. Dass Tonbandgerät dem Ruf als beste Newcomer-Band gerecht werden, zeigen sie gekonnt auf “Wir bauen” oder auch “Mal mich”. Überhaupt habe ich den Eindruck, dass die Lieder wie eine Kette lieblich verbunden sind und eine durchgehende Geschichte erzählen. Mit “Halbmond” haben sie, wie ich finde, eine radiotaugliche Single mit etwas Kopf-hoch Feeling und leicht melancholischem Tenor.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Tonbandgerät ein solides Debüt abgeliefert haben und die Hoffnung auf ein noch besser eingespieltes und abwechslungsreicheres Nachfolge-Album besteht.

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Was das für seine deutschen Fans bedeutet, ist aktuell noch nicht ganz klar. Klar ist jedoch, dass der Sound auf “Blaues Blut” eindeutig “US-lastig” ist und damit zunächst mal ungewohnt. Auf den zweiten Blick jedoch passt dieses neue Gewand eigentlich ganz gut zu seinem bisherigen Style. Das bedeutet in diesem Fall nicht, dass mich alle Songs überzeugen, nein, allerdings bieten einige spannende neue Ansätze.

So hat sein verpflichtetes Produzententeam “Hijackers”, bestehend aus “Ilan” “Bruce” und “Produes”, den neuen Fler Stil weiter entwickelt. Die Beats bestechen nun durch frische, prägnante Lead-Synths und jede Menge Bass nebst giftigen Snares. Das bewies auch schon die erste Single Auskopplung “Barack Osama”, extrem amerikanisch eben.

Natürlich, die Texte, in denen es neuerdings erstaunlich häufig um Drogen (vgl. “Blue Magic”) geht und bei denen gerne Samples aus dem Film “American Gangster” genommen wurden, darf man nicht zu ernst nehmen. Wirklich anspruchsvolle Wortreime, Punchlines oder Vergleiche findet man bei Fler aber eh selten, es zählt halt das Gesamtpaket. Dieses stimmt bei “Skrupellos (feat. Jihad)” als auch bei “Die Liga der Kriminellen (feat. Silla & Jihad)” einfach und unterhält damit sehr gut.

Hart an der Grenze des Erträglichen sind meiner Meinung nach aber auf jeden Fall die Tracks “Mut zur Hässlichkeit (JBG)” und “City Boy”. Hier übertreibt er es einfach mit seiner Amerika Verliebtheit und vergisst, den Songs Struktur zu verleihen. Die Titelnamen sind generell auf “Blaues Blut” oft stark an Songs bzw. Filme aus den USA angelehnt.

Auf eines ist aber trotz aller Übertreibungen Verlass: Auf jedem Album hat man das Gefühl, dass sich Patrick Losensky (Fler’s bürgerlicher Name) neu erfunden hat. Lediglich die seit Jahren gleichen Features stören allmählich.

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Neben oben genannten Auskopplungen erwarten einen noch 15 weitere neue Tracks, die will.i.am mit Hilfe von Afrojack, Benny Blanco, Sebastian Ingrosso und DJ Ammo produziert hat. Das lässt sich sehen finde ich, denn Fans der Swedish House Mafia wird Ingrosso ein Begriff sein und DJ Ammo darf sich für Sean Paul’s “Touch The Sky” verantwortlich zeigen.

Und tatsächlich hat die Scheibe einen sehr innovativen, elektronischen aber trotzdem immer noch Hip-Hop-lastigen Charakter. Man spürt die lange Entwicklungszeit vor allem daran, dass sehr viele unterschiedliche Songs entstanden sind. Dabei passen die Features immer sehr gut zu dem jeweiligen Konzept. So ist beispielsweise “Gettin’ Dumb” ein äußerst futuristischer Dance/Dubstep Song, bei dem der warme Gesang von will.i.am schön von der Girlgroup 2NE1 kontrastiert wird. Genau andersrum läuft es auf “Fall Down”, hier rappt will.i.am überwiegend und Miley Cyrus singt (stark bearbeitet) die übergangslose Hook.

Will.i.am ist und bleibt einfach ein Vollblutmusiker, der stets das Ungewöhnliche wagt und dabei immer mit der Zeit geht. “#willpower” wirkt durch trendige Hashtags (bekannt von Twitter), bekannten und unbekannteren Gastkünstlern, sowie verschiedenen Electronic Sub Genres einfach knallig. Ein bisschen muss ich dabei an Timbaland’s “Shock Value” denken.

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Mit “Save Rock and Roll” liefern die die US-Punks nun ihr erstes Album seit ihrer Wiedervereinigung im gleichen Jahr ab. Stilistisch haben sich die vier “Fall Out Boy” Jungs nicht nur weiterentwickelt, sondern beinahe ein neues musikalischen Terrain betreten. Mit der ersten Singleauskopplung “My Songs Know What You Did In The Dark (Light Em Up)” haben sie erstmals auf vollkommener Linie meinen Geschmack getroffen – hallige Ambience, starke und kraftvolle Drums und eine Melodie, die sofort im Kopf hängen bleibt.

Ebenfalls erwähnenswert und beeindruckend finde ich “Rat a Tat” mit musikalischer Unterstützung von Courtney Love – wahrscheinlich, weil hierbei der rebellische und punkige Flavour zum Vorschein kommt. Aber dann wird es langsam dünn – zumindest wenn man an eine nahlose Fortsetzung der damaligen Alben denkt – denn hier macht der Albumtitel “Save Rock and Roll” dem Inhalt alle Ehre. Rock and Roll ist definitiv nicht zu verkennen, trifft aber leider persönlich weniger meinen Geschmack. Rein technisch klingt es aber sehr voluminös, heroisch, aber auch gefühlsbetont. Für diejenigen des Genres sicher eine tolle Compilation.

Weitere Featuregäste sind Elton John (der Fan der Band ist, so dass Fall Out Boy ihn einfach fragten und er zu ihrer Überraschung einverstanden war), Foxes sowie Big Sean. Ein kleiner Kompromiss zwischen den Stilen stellt für mich “Death Valley” dar und nach mehrmaligem Hören kann ich durchaus Gefallen daran finden.

Rein objektiv betrachtet ist es natürlich selbstverständlich, dass eine Band nicht über Jahre hinweg stehen bleiben möchte. Ich denke mit “Save Rock and Roll” werden sowohl Fans der ersten Stunde als auch wahrscheinlich zu einem größeren Teil neue Fans bedient. Insgesamt auf jeden Fall die Zeit wert, doch mal kurz reinzuhören, ob es nicht doch Titel enthält, die einem zusagen.

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Dass zwei Jahre seit “Hallo Musik” vergangen sind, hat auch damit zu tun, dass er für “Kompass ohne Norden” ein Soundbild erzeugen wollte, das drei wichtige Abschnitte seines Lebens prägte – seine Kindheit, seine Jugend und seine Ankunft im Erwachsensein. Einflüsse von Led Zeppelin oder den Beatles sind meiner Meinung nach auch auszumachen, sobald man sich ein wenig mit der LP beschäftigt. Sofort ins Herz geschlossen habe ich “Ende Blut, Alles Blut”, das gefühlvoll das Thema Liebe thematisiert ohne schnulzig zu sein. Dies mag auch an der grandiosen Instrumentierung liegen, es ist definitiv einer der besten Songs auf dem Album. Eine gekonnte Brücke von Reminiszenz und Moderne.

Ebenfalls sehr harmonisch wirkt die Zusammenarbeit mit Casper, dem einzigen Feature, und deren gemeinsamer Titel “100X” – eine Nummer die von vielen sicherlich sehnlichst erwartet wurde. Ebenfalls sehr hörenswert und tiefsinning verhält es sich mit “Rost”, sowie “Unser Platz” und bestätigt mir wieder, dass gut Ding Weile hat und Prinz Pi noch lange nicht seinen kommerziellen Zenit erreicht hat.

Definitiv einer der besten Erscheinungen dieses Quartals und hoffentlich nicht die letzte Veröffentlichung dieses talentierten und noch jungen Musikers in diesem noch jungen Jahr 2013.

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Vor ein paar Wochen bin ich durch Zufall auf eine kostenlose EP des 32-jährigen Ostberliners Florian Renners gestoßen, der unter dem Künstlernamen Damion Davis arbeitet. Diese EP war lediglich als Appetizer für das nun erschienene Album “Querfeldein” gedacht, steht aber als Paradebeispiel für die neuen Auswüchse der Szene.

Die 17 Tracks von “Querfeldein” versprühen schnell ein erfrischend innovatives Flair, vor allem dank der Experimentierfreudigkeit von Damion Davis. Die Songs haben alle unterschiedliche Konzepte und Arrangements, wirken aber als Ganzes trotzdem stimmig und bilden einen roten Faden. Besonders hervorzuheben ist dabei die technische Qualität Damion Davis’, der nicht nur stumpf runter rappt, sondern je nach Stimmung mal mehr singt und mal besonders schnell rappt. Allgemein versteht er es, durch Höhen- und Flowvariation den Inhalt glaubhaft zu vermitteln.

Beispielsweise handelt “Drehmoment” von dem Wandel der Zeit und wird durch einen ausdrucksstarken Beat unterstützt, auf dem sowohl der Rap als auch die emotional gesungene Hook super zur Geltung kommen. Eine ganz andere Seite lernt man auf “Gentrifizierung” kennen, fast schon schreiend im Refrain wirkt das Stück sehr rockig. Dies wird aber dadurch entschärft, dass Damion Davis nicht durchweg schreit, sondern schnell wieder auf normale Stimmlage wechselt. Sehr starke, pulsierende Nummer!

Wiederum eine ganz andere Facette zeigt der Ostberliner mit “An Mir Vorbei”, ein vergleichsweise ruhiger Song, der Ähnlichkeiten zu Cro hat. Allen Tracks auf “Querfeldein” ist gemeinsam, dass sie nie depressiv wirken, sondern immer auch einen Lichtblick verschaffen.

Ein Künstler, der sehr sympathisch wirkt und dazu noch einen inspirierenden, eigenen Stil hat. Damion Davis hat ohne Frage das Potential, es mit anderen Größen aufzunehmen. Ich denke da wird noch Einiges kommen!

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Ein Name, den ich in diesem Zusammenhang jedoch schon öfters gelesen habe, ist Daniele Negroni. Auffälligstes Merkmal ist wohl zweifelsohne seine wild gefärbte Haarpracht. Dem Cover seiner neusten Scheibe “Bulletproof” nach,  öffnete ich zunächst instinktiv die Dieter Bohlen Schublade. Trotzdem versuchte ich so unvoreingenommen wie möglich an die Langrille ranzugehen, insbesondere aufgrund der Goldauszeichnung des Debutalbums.

Die Fakten zeigen zunächst nichts außergewöhnliches, es gibt 14 Tracks auf “Bulletproof”, allesamt auf Englisch eingesungen und keine Features. Thematisch geht es in den Songs um Teenie Belange wie das perfekte Mädchen, Liebe sowie Herzschmerz. Wenig einfallsreich, aber bewährt.

Im Gegensatz zu vorherigen LPs der Superstars ist nicht mehr Dieter Bohlen für die Produktionen verantwortlich, sondern teils namhafte Produzenten, auf die man im Hause Universal gerne zurück greift. Besonders, wenn es darum geht, möglichst die gesamte Bandbreite an aktuell angesagten Stilrichtungen abzugrasen, um so die Trefferquote zu erhöhen. Das Lied “Who’s That Girl” pumpt zum Beispiel mit sommerlichem Dance und ist – abgesehen von der stimmlichen Qualität – ganz annehmbar.

Wie ein fertig eingekaufter Song von der Stange, der nur noch darauf wartet, von irgendwem eingesungen zu werden klingt definitiv “Overdrive”. Witzige Soundeffekte und eingängige Synthie Melodien in Kombination mit aussagelosen Texten, die leider Gottes, stellenweise auch noch gerappt wurden. “Perfect Misfit” erinnert mich auch eindeutig an Olly Murs, der ja in letzter Zeit sehr angesagt ist.

Es ging mir allgemein so, dass ich öfter das Gefühl hatte, die Melodie schon mal gehört zu haben. Eigentlich ist es erbärmlich, wie wenig von der Persönlichkeit Daniele Negroni’s in der CD steckt. Von seiner Kreativität spürt man nichts bei all dem vorproduzierten Zeug, bei dem er wohl nicht all zu viel zu entscheiden hatte. Musik der Gattung Fast-Food, lieblos schnell und billig. Allein der Musik wegen machen es solche Künstler sicherlich nicht!

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Charli XCX gibt es bekanntlich schon seit 2008. Damals, im zarten Alter von 16 Jahren, hat sie mit den zwei wirklich bemerkenswerten und mittlerweile vergriffenen EPs “!Franchesckaar!” und “Emelline/Art Bitch” ein erstes Achtungszeichen gesetzt. Originelle Samples und eine unkonventionelle Frische ließen auf einen neuen Star hoffen.

Charlotte Aitchison, wie Charli mit bürgerlichem Namen heißt (“XCX” ist angeblich die Abkürzung für “Xrated Cunt Xrated“), ist nun seit 2011 und dem vermutlichen Abschluss der Schule wieder aktiv. Neben einer Flut an Vorab-Singles, Remixen, EPs, Mixtapes und kostenlosen Downloads von der Website, ist Charli XCX vor allem auch als Feature für den Coca Cola Song “I Love It“ von Icona Pop einem größeren Publikum bekannt geworden.

Anders als die 2008er EPs und der gleichnamige Film mit Christian Slater und Brad Pitt auf Basis eines Drehbuches von Quentin Tarantino, hat “True Romance” nichts mit Rebellion und hartem Anarchismus zu tun. Charli XCX, die unter anderem Björk und Austra als Vorbilder nennt, hat sich sehr stark an dem Sound der momentan angesagten britischen Pop-Frauen wie Ellie Goulding, Marina And The Diamonds (mit beiden ist sie übrigens auch gemeinsam auf Tour in jeweils Europa und Nordamerika), Little Boots oder Emeli Sandé orientiert. Einzig die Samples unterscheiden sich in dem ein oder anderen Detail.

Nichtsdestotrotz ist “True Romance” ein gutes Album. Es gibt viele eingängige, potenzielle Hits wie z.B. “Grins” sowie den Singles “You‘re The One“, “Stay Away” oder “You (Ha Ha Ha“. Die Platte funktioniert zweifellos im Auto oder anderen Verkehrsmitteln sowie zum Nebenbei-Hören bei allerlei Art von Tätigkeiten. An den besten Stellen auf “True Romance” spürt man eine gewisse entrückte elektronische Distanz, wie man sie früher von The Art of Noise kannte, die wohl nicht nur rein zufällig auf Charli XCX’ Mixtape “Super Ultra” gesampelt wurden. Und eine solche Referenz von einer gerade mal 20-jährigen, die angeblich bereits mit 8 begann, Musik zu machen, muss man einfach anerkennen. Ebenso wie den Anspruch, ganz oben in der Pop-Liga mitzuspielen.

Charli XCX ist auch live sehr zu empfehlen, sie ist derzeit auf Tour als Support für die US Indie Band Imagine Dragons:

26. April Wien, Flex

27. April Zürich, Harterei

29. April Frankfurt Am Main, Gibson

30. April München, Muffathalle

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Aber nicht nur der Balanceakt zwischen zärtlichem, fast zerbrechlichen und dem brachialen Haudrauf gefiel mir auf Anhieb, sondern dass Heaven Shall Burn von Anfang an sich von anderen Band absetzen konnte – und das in einem Genre, welches gefühlt überrannt ist und von Überschneidungen nur so strotzt.

Als eine der wichtigsten Vertreter des deutschen Metal zeigen sich die fünf Jungs aus Thüringen durchaus produktiv. Zwar sind nun schon wieder drei Jahre ins Land gegangen seit “Invictus (Iconoclast III)”, aber ansonsten liefern sie seit der Jahrhundertwende fast zweijährlich ein neues Album ab. Neu erfinden brauchen sie weder ihren Stil noch die Szene selbst und deswegen machen sie genau das, was sie am besten können. Allein das Cover Artwork von “Veto” verspricht Einiges und ist doch eher nicht das Bild, das man vor Augen hat, wenn man an eine Death-Metal Gruppe denkt.

Bereits “Die Stürme rufen Dich”, der dritte Song auf “Veto”, erzeugt Gänsehaut und eine bedrückende Stimmung, die nur so vor Kraft strotzt. Ebenfalls heiß erwartet wurde sicherlich die Cover-Version von “Valhalla” – der legendären Band Blind Guardian. Mit “Land of the Upright Ones” ist eine schrille und von Gitarrenriffs nur so strotzende Komposition entstanden, die Ihresgleichen sucht, auch wenn mir die Vocals hier teils zu heftig verzerrt sind.

Insgesamt scheint sich Heaven Shall Burn aber die leichte Kritik, die es um die letzte Platte gab, zu Herzen genommen zu haben und feilte dieses Potenzial weiter aus. Auch leichte Elektroeinflüsse wie auf “Hunters will be hunted” tun dem Release gut und unterstreichen nochmals, an wem sich der Rest zu messen hat und wer die Marschrichtung vorgibt. Heraus kam mit “Veto” ein präziserer und auch wesentlich lebendiger und eigenständiger Klang.

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Gleich beim Anspielen des Tracks “For The Road (feat. Chris Brown)” fühlt man sich wie vor 20 Jahren auf den Straßen Kaliforniens. Die warme Gesangseinlage von Chris Brown vermittelt eine sommerlich unbeschwerte Stimmung. Dazu muss man sagen, dass Tyga mit bürgerlichen Namen Michael Stevenson heißt und 1989 in Kalifornien geboren ist. Also mit seinen 23 Jahren ein noch sehr junger Künstler ist, dessen Karriere erst seit 2007 richtig in Fahrt gekommen ist.

Seinen Durchbruch verdankte Tyga dem Hit “Rack City”, der leichte Parallelen zu dem Song “Molly (feat. Cedric Gervais, Wiz Khalifa, Mally Mall)” aufweist. Wie immer eine prägnante Baseline, unterstützt von einer giftigen (oldschool) Kick. Jedoch diesmal weitaus klassischer, mit Hook als auch verschiedenen Parts. Die futuristischen weiblichen Vocals verpassen dem Track dazu noch einen coolen Touch.

Hingegen können manche Songs auf “Hotel California” einfach nicht überzeugen, zumeist liegt es an einem zu lässigen Rap und schon tausendfach gehörten Beats (vgl. “Dad’s Letter” oder “Enemies”). Über weite Strecken muss ich sagen, merkt man der Platte nicht die Kürze der Zeit für die Entstehung an, da wirklich neue konzeptionelle Titel dabei sind. Gerade aber bei oben genannten Tracks spürt man schon recht deutlich, dass diese Stücke noch Zeit benötigt hätten, um richtig zur Geltung zu kommen.

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Gerade letzteres muss gerade er auch stets sein, da ich seine Persönlichkeit im Allgemeinen nicht besonders einzigartig finde. Sicherlich hat er eine markante Stimme obendrein ist er berühmt für seine schnellen Rap Parts, trotzdem überraschte es mich nicht, dass er auf seinem neuen Album “YMCMB” keinen einzigen Solotrack hat.

Stattdessen lauert beinahe eine ganze Armada an amerikanischen Künstlern auf “YMCMB”, teils sogar zu dritt auf einem Titel. Darunter zählen Namen wie Trey Songz, Lil Wayne, DJ Khaled, Reek da Villian sowie Janet Jackson, um nur die wichtigsten zu nennen. Die Beats klingen jedoch leider wirklich wie vor 10 Jahren, zu dieser Zeit blickten deutsche Beat-Produzenten noch neidisch über den großen Teich. Heutzutage haben meiner Meinung nach, zumindest was das Genre Hip-Hop angeht, die hiesigen Producer eindeutig die Nase vorn.

Wer diesen Umstand nicht scheut oder gerade präferiert, der wird auf “YMCMB” wohl großen Gefallen an dem quietschigen Track “Hail Mary” mit Trey Songz, Young Jeezy samt Lil Wayne finden. Mir persönlich hat es wie auch schon auf Lil Waynes Scheibe, der Song “No Worries” angetan. Offensichtlich hat der Beat den beiden Künstlern ebenfalls so gut gefallen, dass er auf beiden Alben mit unterschiedlichen Lyrics zu finden ist. Die Busta Rhymes Version sagt mir trotzdem noch ein Stückchen mehr zu.

Im Nachhinein ein recht fades Album, das nichts von der Leichtigkeit und Coolness eines Hits wie “C’mon” versprüht. Über diesen Umstand können sogar die zahlreichen Features nicht hinweg trösten, die allgemein zu viel des Guten sind. Für die Zukunft würde ich mir frischere Sounds plus eine Entwicklung hin zu mehr Liedern frei von Gästen wünschen.

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Trotzdem erschien nun eine neue LP namens “I Am Not A Human Being II”, die mit namhaften Künstlern aufwarten kann. So findet man auf den 17 Tracks auch Namen wie Big Sean, Nicki Minaj, Drake oder Soulja Boy. Musikalisch darf man diesmal nachdenklichere Songs, jedoch auch wieder Titel wie zu besten “Lollipop” Zeiten erwarten.

Ein Beat mit einem äußerst gut sitzenden Text und Flow ist “No Worries”. Auch wenn die Lyrics wie gewohnt sehr “explicit” sind, kommt beim Hören der arroganten Zeilen richtig Stimmung auf. Bereits häufiger gab es sehr basslastige Nummern, auf denen Dwayne Michael Carter (wie Lil Wayne mit echten Namen heißt) recht gerne in “Double Time”, also in doppelter Geschwindigkeit rappt. Auch auf s”I Am Not A Human Being II” findet man mit “My Homies Still” sowie “Trippy” solche gelungenen Partytracks.

Dagegen schlägt “God Bless America” deutlich ruhigere nachdenklichere Töne an. Textlich weicht Lil Wayne hier trotzdem nicht allzu deutlich von anderen Songs ab, so dass letzten Endes alles zwar ganz gut klingt, wirklich berühren können mich die Lieder aber keinesfalls. Ich sehe Lil Wayne’s Stärken immer noch in lässigen Partyhymnen wie seiner damaligen Nummer 1 Single “Lollipop”. Deswegen hat mich “Beat That S**t” auch von Anfang angesprochen, da es einfach ein typisches Stück ist.

Glücklicherweise befindet sich Lil Wayne momentan wieder auf dem Weg der Besserung. Seine Ankündigung, mit 35 in Rente zu gehen, scheint also doch noch möglich. Sein Album “I Am Not A Human Being II” jedenfalls ist solide, allerdings auch nichts bahnbrechend Neues.

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Der gebürtige Franzose platzierte seine Single “Iron” aus dem Jahre 2011 mit Pauken und Trompeten auf dem Soundtrack von Django Unchained. Auf seinem nun ersten Soloalbum schlägt Woodkid ruhigere Töne an – mit viel Orchester, Tiefgang und schweren, herzergreifenden Balladen. So kitschig und abgegriffen der Titel “The Golden Age” klingt, so spannend ist seine Interpretation dessen.

Mit “I Love You” mixt er poppigen Sound mit einer angenehmen, ruhigen und dennoch völlig eigenen Stimme. Es klingt auch wirklich nicht nach jemandem, der gerade in der Musik Fuß fassen möchte oder krampfhaft versucht, sich hier zu etablieren – hier spielt vor allem Herzblut und Engagement eine gewaltige Rolle.

Düstere Streicher, Akkordeon und eine Atmosphäre wie man sie sonst nur von Spielfilmen her kennt, ziehen den Hörer in einen Sog – mit “Shadows”. Dass sich diese Beobachtung auf “Falling” und anderen Titeln durchzieht, bestätigt nur seine Hingabe, frühere Tätigkeit und Faszination für Filme und im Speziellen für Filmmusik. Woodkid steht für mich in erster Linie für eine Ausnahme, der das Medium Musik lediglich als Ausdrucksform seiner Gefühlswelt sieht – und dies geht meiner Meinung nach wunderbar auf.

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